"Profundo"

Al principio era la sonrisa. Haciendo el recuento necesario de lo que rondaba por las salas de teatro el pasado fin de semana para darle forma a estas líneas, me topé con un nombre imposible de pasar por alto: José Ignacio Cabrujas. Sin duda, una de las voces más lúcidas que ha dado nuestra contemporaneidad. Dramaturgo, escritor, analista como pocos de lo que somos, de lo queremos ser y de lo que no podremos llegar a ser en esta “equivocación de la historia” que es nuestro gentilicio. Revisando las ofertas se me atravesó su nombre, y casi hipnóticamente la escogencia era clara para mí:“Profundo”, en la UNEARTE, dirigida por “Pancho Salazar” y además como montaje profesional del próximo grupo de graduandos. Confieso cierta fruición por ver este montaje, creo que no exagero si afirmo que para cualquier hombre o mujer de teatro la mención de Cabrujas impone una feliz admiración, además hace mucho que no veía las letras cabrujianas trasmutadas en escena viva .

Luego fue la estupefacción. La obra se estrenó el jueves 17, yo iría a verla el viernes 18. Iría, fui, pero no la vi. Así, ¡suáz! de un solo “güamazo” resultó suspendida por las autoridades universitarias sin una mayor explicación que la aparente “falta de calidad” de la propuesta.

La sorpresa dio paso a la indignación de la comunidad uneartista. Ayer lunes podía verse en la fachada del edificio pancartas, manifiestos, cartas abiertas y performances teatrales que dejaban ver la inconformidad de los estudiantes con la medida. Algunos pedían la renuncia de la rectora a quién acusaban de irrespetuosa y de dispensar un trato despectivo hacia los reclamos.

No puedo decir nada respecto a si la evaluación de las autoridades sobre la calidad del montaje justificaba su salida intempestiva de la programación, puesto que no pude verla. Ahora, no hay que ser un “americano ilustrado” para preguntarse ¿por qué esperar el estreno de la pieza para darse cuenta de que no alcanzaba los estándares deseados? Por experiencia propia puedo decir que los montajes profesionales de la UNEARTE son (y deben serlo) revisados durante su proceso y de esas revisiones salen ajustes y recomendaciones. Pero este montaje llegó a estrenarse,es decir, se le permitió llegar a su confrontación con el público, por lo que puede resultar poco coherente llegar hasta ese punto para darte cuenta de que como que no...

También conFIÉSOLEs que siento que esto pudiera ser un pitido de alarma: el elenco, los productores, los diseñadores de este montaje van a egresar como Licenciados en Teatro, y sin embargo, la misma casa de estudios que los formó considera que no tienen el nivel para mostrar su trabajo, entonces ¿está la UNEARTES plenamente consciente de su proceso de formación? Porque son sus propios conejos los que ahora parecen habérseles quemado.

Diversas son las opiniones que se tejen alrededor de este “acto cultural”, muchas las consideraciones que se hacen por lo pasillos, algunas con más saña que otras, sin embargo, ajenos a eso esperemos que éste incidente sirva por lo menos como punto de inflexión para el espabilamiento.

“Hemos dado con la cloaca”, dice Cabrujas en boca de uno de sus personajes de “Profundo”.

Columna publicada el 21/06/2010 en el diario "El Nuevo País"

"Santana en cuatro tiempos"

La importancia de Rodolfo Santana en nuestra dramaturgia contemporánea es innegable. Su amplia trayectoria se inicia en nuestros convulsionados años 60 en el popular sector de Petare, y se cuenta que literalmente, una lluvia de piedras y tomates (por cierto, nunca dejará de intrigarme de dónde demonios consigue la gente tomates en una obra de teatro) le harían reflexionar sobre el rumbo que debía seguir su trabajo. A la propuesta de presentar en una zona popular cercana a lo que hoy es La Urbina un entremés de Cervantes, con vestuario, lenguaje y modales del siglo de oro español, el público, que por supuesto no entendía lo que estaba pasando en escena, cambió los aplausos por peñonas y legumbres. Desde ahí, Santana entendió la necesidad de un teatro cercano a las necesidades sociales y eso es lo que nos ha legado.

El teatro de Santana se plantea la necesidad de la justicia social, sus personajes se enfrentan a las contradicciones impuestas por las sociedades que les rodean y luchan por liberarse de ese yugo. ¿Ideología? Toda la que pueda. Sufrió en carne viva la persecución lanzada contra los comunistas por aquellos años y eso influyó en su compromiso por la lucha social y en su propia radicalización.

Ironía, violencia y cotidianidad son elementos comunes que traslucen en piezas como “El animador”, “Encuentro en el parque peligroso”, “Mirando al tendido” o “La empresa persona un momento de locura”, títulos que la gente de Teatro Mantí ha reunido en el ciclo “Santana en cuatro tiempos” que todos los martes y miercoles a las 08:00 pm hasta el próximo 30 de junio se presenta en la Sala Experimental del CELARG, bajo la dirección de José Gregorio Cabello.

En “El animador” un joven secuestra al presidente de un canal de televisión para que le haga un programa a su medida. Ana y Pedro coinciden en un “Encuentro en el parque peligroso” al que acuden en busca de su pasado, excluidos por su presente. En “Mirando el tendido” toro y torero se enfrentan en una metáfora que habla de oprimidos y opresores; mientras que en “La empresa perdona un momento de locura” conoceremos a Orlando Muñoz, obrero metalúrgico que ha trabajado toda su vida en la misma empresa y enloquece luego de presenciar un terrible accidente laboral.

Cuatro piezas, escritas por Santana en cuatro épocas distintas pero con un sustrato común: la revisión, la denuncia, la reflexión.

Columna publicada en el diario "El Nuevo País" el 14/06/2010

"Muerte en directo"

En el espacio amplio y negro de un escenario sin aforo domina en el centro un baúl gris, en color y carácter, escoltado por un espejo fragmentado que dependiendo del ángulo desde donde se mire devuelve los rostros de los espectadores, de esos que sentados en las gradas se creen simples testigos de la ficción. Desde el principio el final está claro: asistimos a la última hora en la vida de una actriz que ha le ha dado puerta abierta al hastío y que ha decidido compartir con el público sus reflexiones, sus temores, sus cuestionamientos y además, ese disparo final que la libera de toda amargura. Asistimos pues a una “Muerte en directo”, texto original del consagrado dramaturgo español Guillermo Heras y que la gente del TET (Taller Experimental de Teatro) lleva a escena bajo la dirección general de Gladys Prince en la sala Horacio Peterson de UNEARTES hasta el próximo 13 de junio.

En este monólogo estrenado por el TET originalmente en el 2006, el autor, aplicando la fórmula del teatro dentro del teatro, desarrolla su tesis sobre el arte escénico, no ajena a la autobiografía, y extrapola las consideraciones teóricas sobre las técnicas y métodos de actuación a la vida misma estableciendo la analogía Teatro-Vida-Muerte. Los temores, las posiciones que a lo largo de nuestra existencia asumimos, las contradicciones y las decisiones que nos definen al final del camino, encuentran en la voz de esta protagonista suicida, una vía para exponerse abiertamente con la libertad que da el saberse a las puertas del silencio absoluto.

La puesta en escena ideada por Prince se sustenta en la interpretación de Alma Blanco, quién haciendo honor a su nombre, deja traslucir el espíritu derrotado del personaje, sin aspavientos ni melindres. Una música de fondo permanente se une a una iluminación densa en la construcción de un ambiente espeso, y como si fuesen las grietas de un dique, los fantasmas se van filtrando de a poco y se incrementan hasta llegar a la fatal resolución, que acaso en un guiño al espíritu de la tragedia griega, ocurre fuera de escenario.

Después del ruido seco del disparo, al espectador sólo le queda la certeza de una muerte anunciada, los fragmentos del espejo, ahora roto, que insiste en devolverles su propio rostro, y el gris baúl, que si se le antoja, bien pudiera fungir como metáfora del féretro final que a todos nos espera. ¡Uy, qué miedo!

Columna publicada el 07/06/2010 en el diario "El Nuevo País"

"A falta de pan, buenas son tortas"

Don Toribio es un sastre que quisiera pinchar con sus agujas a toda persona y asunto que le huela a gobierno. Narciso, uno de sus clientes y muy bien conectado con el recién estrenado gabinete, tiene amores ocultos con la hija de éste, Emilia. Para allanar el camino antes de la petición de mano, Narciso usa como estratagema la posibilidad de “recomendar” a su posible suegro para un nombramiento. Patriota como el que más, Don Toribio, ante la inminencia de convertirse en flamante ministro, da un brinco de acera que dejaría a muchos “pieles rojas” como tristes “caraspálidas” (sin alusiones, es simple argot western). Pronto comienza a afinar los detalles de su plan de gobierno, destacando por supuesto, la formas que tendrá para quedarse con buenas mascadas del erario nacional.

Este es el argumento de “A falta de pan, buenas son tortas”, comedia escrita por Nicanor Bolet Peraza (Caracas, 1838 - Nueva York, 1906) que el pasado jueves 27 presentó la gente de Teatrela a quienes acudieron a la Sala Experimental del CELARG, como parte de la programación de “El Teatro cuenta la historia de Venezuela en el Bicentenario, Ciclo de lecturas dramatizadas de teatro testimonial”; proyecto iniciado en marzo y que hasta noviembre presentará una selección dramatúrgica que busca reflejar el acontecer histórico de nuestro país, desde la conquista hasta hoy.

En “A falta de pan, buenas son tortas”, el autor -quién críticó duramente el período de Antonio Guzmán Blanco siendo al principio su partidario- hace una mordaz caricatura de nuestro histórico gûabineo ético, moral y político ( y eso que fue escrita hacia 1873, ¿se imagina si la escribiera hoy?); a partir de personajes tipo fácilmente reconocibles para el público de su época, y más aún para el actual.

La propuesta de Teatrela dejó de lado la lectura dramatizada y se lanzó de frente con un montaje sustentado en la confianza plena hacia los intérpretes. Con ese humor costumbrista e inteligente, propio de nuestros sainetes, la puesta en escena fluyó dejando entrever los nexos que entre nuestro pasado y nuestro presente nos definen como sociedad.

Con las 28 piezas teatrales que conforman la escogencia de este ciclo de lecturas pautadas para todos los jueves en la Sala Experimental del CELARG, se propone un recorrido que inicia en la época de la conquista, pasando por textos referentes a la Independencia, la Guerra Federal, la dramaturgia de los siglos XIX y XX, hasta llegar a la actualidad. Luis Britto García, Vicente Fortoul, César Rengifo, Néstor Caballero, Isaac Chocrón, Gliberto Pinto, Ugo Ulive, José Gabriel Nuñez, Gustavo Ott, Gilberto Agûero, y un laaargo etcétera que por razones de espacio no discrimino, son algunos de los dramaturgos cuyas obras pondrán el punto sobre la “i” en esta radiografía teatral.

Columna publicada el 31/05/2010 en el diario "El Nuevo País"

"Aquiles Nazoa"

Siguiendo la onda de la semana pasada, hoy dedicaremos el espacio a otro insigne cumpleañero en este mes de las flores y la cruz. La presencia de este escritor, periodista, poeta y humorista, nacido el 17 de mayo de 1920 en el humilde sector de El Guarataro es sinónimo de identidad venezolana y enaltecimiento de lo popular. Era hijo de un jardinero y una ama de casa, quienes le bautizaron con el nombre de Aquiles, acaso sin sospechar que al igual que el héroe griego, éste caraqueño de pura cepa, alcanzaría, por estos lares, el don de la eternidad.

Aquiles Nazoa es sin duda de los mayores exponentes de nuestra cultura popular, en el más preciado sentido de ambas palabras. Su origen humilde le llevó a ejercer distintos oficios, pasando por telefonista, vendedor de bodega, botones, aprendiz de carpintero, empaquetador; mas su inclinación autodidacta le llevó al ejercicio del periodismo y la literatura. Fue columnista en los principales diarios del país, así como colaborador y fundador de publicaciones claves de nuestra contemporaneidad como “Élite”, “El Morrocoy Azul” o “Fantoches”.

De seguir su cuerpo entre nosotros estaría sumando noventa años, y para celebrarlo la UNEARTE organizó una programación que arrancó el pasado 20 con la apertura de una exposición fotográfica, bajo la curaduría de Humberto Orsini; y a la que se le suman conversatorios y ponencias sobre el alma y obra de este maestro de las letras.
“Hogar dulce hogar”, pieza en la que el autor satiriza la vida en matrimonio, y “La Familia Tragaldaba”, que presenta las situaciones que se dan en la fiesta de petición de mano de la hija mayor de una típica familia caraqueña; fueron presentadas como lecturas dramatizadas bajo la dirección de Luis Domingo González en la Sala Horacio Peterson el viernes 21. Al día siguiente, en la misma sala, bajo el mismo formato y dirección se presentó “Byron a Misolonghi”, pieza que Nazoa escribió sobre la vida de un estudiante y actor de teatro que deja las tablas para enfilarse en la guerrilla venezolana de los 60, y encuentra la muerte a manos del ejército.

Sobre esta celebración el maestro Orsini manifestó: “A Aquiles por su permanencia en el tiempo, por haber amado tanto como amó Hans Christian Anderson, a Jenny Liyn, el ruiseñor de Suecia, por haber amado las cosas más sencillas, por haberle cantado a aquellos a quienes nunca nadie les cantó, por haber descubierto la grandiosidad de lo pequeño, por haberle cantado al perro callejero y a la astucia de la cucaracha, por haber creído en Charles Chaplin y en los poderes creadores del pueblo, por habernos hecho reír y llorar, y por haber logrado sin quererlo que lo amaramos y lo recordáramos eternamente” .

Columna publicada el 25/05/2010 en el diario "El Nuevo País"

"Proyecto Madre: Obras María"

Un nuevo capítulo de la investigación escénica sobre la familia iberoamericana que en el 2007 inició la gente del Teatro San Martín sale al ruedo con el estreno del “Proyecto Madre, Obras: María”. Luego de las tres sobre la figura paterna que hizo merecedor al “Proyecto Padre” del Premio de Teatro del Ministerio de la Cultura; esta nueva página asume el desafío de hurgar en la figura materna, lo cual no es poca cosa en una sociedad que como la nuestra tiene en la madre una imagen sacrosanta.

De una convocatoria a la que respondieron autores de Argentina, España, Chile, Italia, EEUU, México, Colombia, Martinique, y Venezuela, resultaron elegidas dieciocho piezas, a ser representadas en tres espectáculos cuyo personaje central se llama “María” y tiene una cicatriz en la cara. A partir de allí cada autor liberó su visión sobre la madre, sobre su impronta y sus influencias buenas, malas o regulares. En este primer capítulo de “Proyecto madre: Obras María” estrenado el pasado viernes 07 se reunieron los textos de Gianni Clemente (Italia) y Pilar G. Almansa, Diana I. Luque, Alejandro Rodríguez, Antonio Lafuente y José Manuel Lechado (todos españoles); y bajo la dirección de Costa Palamides se mostró una propuesta que satiriza a la madre desde lo poético.

Para la puesta en escena, Palamides retoma el concepto de elipsis cinematográfica (que aplicó en su propuesta del Proyecto Padre) y juega con el solapamiento de tiempo y espacio de las distintas historias que se mezclan. Así, una madre autoritaria, una madre adoptiva, una madre de alquiler, una madre abortiva, y demás arquetipos; confluirán en un planteamiento escénico que se balancea entre el humor y el dolor. La propuesta artística hace uso del blanco y una paleta de azules, tanto en el vestuario como en las sillas que, como elementos escenográficos, juegan acá un papel relevante y expresan el carácter simbólico y ritualista de la puesta.

María Brito, Nirma Prieto, Juliana Cuervos, Susana López e Ysandra González conforman un elenco equilibrado cuyas actuaciones conmueven y emocionan según sea el sentido de la escena. Las funciones se extenderán hasta el próximo 06 de junio todos los viernes y sábados a las 08:00 pm y domingos a las 06:00 pm.

Pídale permiso a su mamá y vaya, mire que “La mano que mece la cuna es la misma que rige el mundo”, (William Ross Wallace, poeta estadounidense).

Columna publicada el 11/05/2010 en el diario "El Nuevo País"