"La peor de todas"

Sor Juana Inés de La Cruz es una de las figuras más importantes de la literatura hispanoamericana. Y habiendo nacido mujer, sido monja y vivido a finales del siglo XVII haber alcanzado tal preeminencia no es poca cosa. Nació como Juana de Asbaje y Ramírez, y a los veinte años, teniéndola como única opción para que una mujer de su época pudiera dedicarse al estudio, se internó en el Convento de San Jerónimo recibiendo sus votos en 1699. Durante el claustro desarrolló la mayor parte de su obra y alcanzó una madurez literaria que le llevó a ser frecuentemente solicitada para escribir obras por encargo. Así vieron luz innumerables décimas, sonetos, obras de teatro, etc, que transitaban entre lo religioso y lo pagano. Su placer por el saber le llevó a reunir en su celda una colección de más de cuatro mil volúmenes, flanqueados por instrumentos musicales y científicos que evidenciaban sus conocimientos en matemáticas música, astronomía, artes plásticas, filosofía; por mencionar sólo algunas.

Pero en un siglo signado por el oscurantismo y el poder patriarcal de la Iglesia Católica, no les fueron perdonados su sed de conocimiento ni su defensa al derecho femenino a pensar y ser por sí misma. Una carta: “La respuesta a Sor Filoteas” (considerada por muchos un primigenio manifiesto feminista) en la que exponía su libertad de espíritu criticando un sermón dado por el Obispo de Puebla, fue el inicio de una coerción inquisitorial que la obligaría a abandonar la escritura y a deshacerse de sus libros e instrumentos. En su abjuración firmaría con sangre como “La peor de todas”.

Y tal es el título que la dramaturga venezolana Iraida Tapias da a su más reciente propuesta que desde el pasado 22 de julio se escenifica en las tablas del Teatro Trasnocho a cargo de Water People Theater Company, bajo la dirección general de Juan José Martín. La pieza busca plasmar la admiración y respeto que inspira esta mujer, una adelantada a su época, que tuvo que subyugarse al poder: “Reencontrarse con el coraje, talento, valentía de una mujer de finales del siglo XVII frente a los prejuicios machistas, de clase y origen, reafirman el compromiso de seguir haciendo un teatro que quiere conmover el alma y la razón del espectador” señala la autora. Giovanny Really, Andreína Blanco, Rebeca Alemán y Gerardo Soto son los intérpretes que enmarcados en el México antiguo extrapolan la vigencia, cuatro siglos después, de una discusión que enmarca la “ignorancia y el saber; la justicia y la injusticia, las limitaciones sociales, la desigualdad y el abuso de poder”. Las funciones de “La peor de todas” se extenderán hasta el próximo 22 de octubre sólo los miércoles y jueves a las 08:00 p.m.

"El pez que fuma"

Personajes esperpénticos, seres del bajo mundo, miseria, desamparo, el folcklore y lo mágico-religioso, la corrupción moral, social y política: he aquí parte del microuniverso que en la dramaturgia de Román Chalbaud busca su Bing Bang para explotarnos en el rostro una crítica que nos saque del letargo. Desde sus primeras entregas por allá por los años cincuenta Chalbaud mostró su preocupación por una palabra y una escena que reflejara la problemática venezolana, convirtiéndose, junto a José Ignacio Cabrujas e Isaac Chocrón, en eje fundamental de nuestro teatro contemporáneo.

“Sagrado y obsceno”, “Caín adolescente”, “Los Ángeles terribles”, “La quema de Judas”, entre otras, nos han ido dejando personajes transgresores que luchan por abrirse paso en una sociedad que los ha engendrado en desventaja. “El pez que fuma” estrenada en 1968 y llevada al cine en 1977 por el mismo autor, es uno de esos títulos insalvables dentro de nuestra dramaturgia; y cuarenta años después de su estreno vuelve a las tablas para ser el Montaje Profesional de los graduandos de la próxima promoción de la UNEARTES Teatro bajo la dirección general de Dairo Piñeres.

Un bien concebido espacio escenográfico bifrontal sirve para recrear el famoso burdel en el que prostitutas, chulos, lisiados, ex convictos y vendedores de poca monta hurgan una trama en la que se devela la lucha por el poder que pasa de mano en mano, sin mayores méritos. En su origen, no era difícil inferir este decaído prostíbulo como la metáfora de un país acostumbrado a que lo desangren, y cuarenta años después, la vigencia de la pieza es innegable. Dolorosamente innegable.

Una correcta puesta en escena, de oficio, con una sobria iluminación y matizada por los acordes de Héctor Lavoe abona el terreno para que los futuros Licenciados desarrollen las habilidades escénicas que han adquirido durante el periplo académico. En este apartado habría que fortalecer esfuerzos para alejar la interpretación actoral de la resolución externa e inmediata, volverla más orgánica, lo que contribuiría a limpiarla de la innecesaria presencia de clichés. Vale destacar el buen trabajo vocal del conjunto, aunque el personaje de La Argentina deberá ajustar la dicción y el acento, ¿viste?

José G. Algara, Luis A. Ramirez, Adriana Galíndez, Dayana Caro, Theylor Plaza, Lismar Ramirez y Sirgalyn Carrasquel, junto con un grupo de actores invitados, conforman el elenco del “El pez que fuma” cuya temporada se extenderá hasta el próximo 26 de julio en la Sala Rajatabla. La entrada es libre.

"La visita de los Generales"

"La vagancia me llevó a la escena”, dijo alguna vez refiriéndose a sus inicios uno de los nombres más importantes en el teatro venezolano contemporáneo: Gilberto Pinto (Premio Nacional de Teatro 1999). Y es que han pasado seis décadas desde aquella mañana en la que hojeando un ejemplar de El Nacional abandonado en una mesa de billar, descubrió unos cursos de capacitación teatral dictado nada menos que por el maestro mexicano Jesús Gómez Obregón. La curiosidad y lo desocupado le llevó a asomarse por aquellos lares, sin tener ningún interés real por el teatro, pero lo que vio le gustó, y el gustico le duró por el resto de su vida. Como docente, dramaturgo y director Pinto ha despuntado en nuestros escenarios con una temática siempre comprometida con lo social, con la crítica. No cree en el teatro de evasión. Su agrupación “Teatro del Duende” arranca en los años 50 con una firme posición contestataria y antidictatorial. Con esa visión de un teatro transformador, de un teatro para la toma de conciencia, ha escrito piezas fundamentales como “El hombre de la rata”, “La noche moribunda”, “El peligroso encanto de la ociosidad”, “La muchacha del blue-jeans”, “Los Fantasmas de Tulemón”, “La guerrita de Rosendo”, “La visita de los generales” entre tantas otras. Y es ésta última, “La visita de los generales” ganadora del IV Premio de la Feria del Libro, su más reciente puesta en escena. Después de leer la historia real de un físico estadounidense al que diagnostican un cáncer incurable y es obligado a pasar los últimos días que le quedan dictando sus descubrimientos, a Pinto le quedó sonando el tema durante años. De ahí surge la pieza como una “denuncia a la miserable persecución que sufren los sabios o científicos atómicos (...) considero que hoy los científicos que quieren dedicarse a la investigación están dominados o chantajeados por los gobiernos o por los perros de la guerra para que construyan armas, cada vez más sofisticadas. Esa es la idea principal de mi obra”. Y es que la proliferación de armas de destrucción masiva es una amenaza latente para la especie humana, basta revisar los titulares que dan cuenta del nerviosismo que despiertan los escarceos de Irán y Corea del Norte con sus juguetes atómicos. Sin contar los arsenales que a la calladita tienen las potencias occidentales, por si acaso a algún fundamentalista se le da por apretar el botón rojo. Es decir, ¡estamos rodeados!

Protagonizada por el primer actor Carlos Márquez acompañado por un elenco de lujo conformado por Francis Rueda, Germán Mendieta, Vito Lonardo, Alexis Farías y Daniel Jiménez; “La visita de los Generales” estará hasta el próximo 19 de julio en la Sala de Conciertos de la UNEARTES (antigua sede del Ateneo de Caracas) en funciones los jueves, viernes, sábados, a las 8:00 pm; y los domingos a las 6:00pm. La entrada es gratuita.

"Topografía de un desnudo"

Por allá por los años 60, mientras en el mundo se abrían puertas a movimientos progresistas, ocurrían marchas a favor de los derechos civiles, se alzaban protestas anti-bélicas, se adelantaban procesos a favor de minorías, se izaba el “paz y amor” como bandera; aquí mismo al lado, en Brasil, en Río de Janeiro se ponía en marcha la Operación Mata-mendigos, con la que se ordenaba el exterminio de indigentes a través de redadas policiales. Toda una oda a la tolerancia y al progreso ¿no? Ese suceso despertó, no solo el interés de la prensa de la época, sino la inspiración del dramaturgo Jorge Díaz, uno de los autores más premiados del teatro chileno, quién hurga hacia el fondo de lo sucedido con la pieza “Topografía de un desnudo” (1967); cuya temporada acaba de culminar en la Sala del Teatro San Martín a cargo de la agrupación “Escena de Caracas”.
Si bien el texto no es una recreación exacta de lo sucedido, sí busca a través de un testimonio libre hacer una representación universal de la injusticia, la represión y la violencia; que lo mismo ocurre en Brasil, como ocurre aquí, al lado, más allá, más arriba o más abajo en el continente. La aparición del cadáver de un indigente irá destapando una trama en la que se develan situaciones que tocan a estos personajes del inframundo, pero también a jueces, policías, fiscales. La puesta en escena, bajo la dirección general de Costa Palamides, apunta al cuestionamiento de los poderosos, de los funcionarios que, al igual que los reyes tolkianos “por sobre todas la cosas desean poder”, y harán lo necesario para mantener sus privilegios. Se evidencia en la búsqueda corporal de los actores una danza que indaga en el paralelismo entre lo humano y lo animal enmarcado en una estética que recuerda la jaula y el terror. Es pues una denuncia que con matices de humor e ironía satiriza nuestra identidad como sociedad latinoamericana.
Delbis Cardona, Nadeschda Makagonow, Arnaldo Mendoza, Betsabé Correa, Ignacio Marchena, Margarita Morales y Khalil Gómez conforman el elenco. El vestuario es de León Padilla, la iluminación de Gerónimo Reyes, la asistencia de dirección de Germán Manrique; y la producción general es de Coco Seijas y Delbis Cardona.

"Festea 2009", Segunda parte

La segunda semana de competición del FESTEA 2009 arrancó el pasado martes 23 con la presentación del grupo teatral de la UNESR quienes escenificaron “Marullando” del argentino Gustavo Marull. Una bien concebida puesta en escena planteada desde la superposición de planos fue el marco para este texto que aborda de forma sentida el tema de la violencia doméstica. El jueves “Historias de abandono” del español Rubén Buren, nos habló de tormento y desamor en las relaciones humanas en propuesta del grupo Epidauro Teatro, agrupación adolescente que da chispas de claridad estética, aunque deben seguir contrarrestando inexperiencia con estudio y trabajo. Luego, Logus Teatro con el texto “Chicas del 3 ½ floppy” del mejicano Legom nos mostró una visión desde la miseria de cinco mujeres autodestructivas envueltas en un circulo de drogas, promiscuidad y superficialidad. Más que anécdotas femeninas, el texto parece plantear un crítica mordaz al sistema de valores. Lo plano de la interpretación actoral y de la propuesta escénica no lograron la comunicar la intención de un texto de tema y estilo complicados. “Demetrius” otra pieza de Legom, subió a escena el viernes de la mano de Horus Teatro, quienes con creatividad bien encaminada despertaron el interés y la reflexión, a partir de la historia en clave de humor negro de un hombre cuya mayor aspiración es ser el mejor vendedor de lavadoras de una tienda. Luego, un edificante encuentro con el dramaturgo brasileño Marcos Damaceno sirvió de preámbulo para una lectura dramatizada de su obra “Agua Revolta”, para dar paso al Grupo Experimental de Teatro de la UNET, San Cristóbal, quienes deconstruyeron el texto del colombiano Victor Viviescas “Lo Obsceno II” para, a través del teatro experimental, hablar del amarillismo en los medios. Lo críptico de la puesta en escena obstaculizó la asimilación de la propuesta, por lo que la dialéctica espectador-escena se hizo harto difícil. El abandono del texto, siendo este un festival de autor, también plantea interrogantes. Otra versión de “Historias del abandono” presentó la agrupación Kabré Teatro apostando a una cuidada teatralidad, aunque las formas prevalecieron sobre la profundización del fondo. Para cerrar la programación del festival, el día sábado Navíos Errantes de México D.F. brindó un disparo a la emoción con la propuesta de teatro-danza experimental “El Moridero”; con la que exploran ritualmente nuestra condición de fieras. Un trabajo complejo y bien desarrollado. El domingo 29 se realizó el acto de clausura del festival con la respectiva entrega de premios. Horus Teatro se alzó con Mejor Obra y Mejor Dirección.

"Festea 2009"

Desde el 17 de junio y hasta el próximo 28 los telones de la sala Alberto de Paz y Mateo (Grupo Theja) y TextoTeatro (Teatro San Martin) se abren para ofrecer una nueva edición del Festival de Teatro de Autor, FESTEA 2009; evento creado y organizado desde hace ya seis años por la agrupación Pathmon. La nueva dramaturgia iberoamericana es la homenajeada en esta oportunidad, por lo que grupos nacionales e internacionales darán vida a textos preseleccionados de Gonzalo Marull (Argentina), Marcos Damaceno (Brasil), Víctor Viviescas (Colombia), Abel González Melo (Cuba), Rubén Buren (España), Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio “LEGOM” (México), Jaime Nieto (Perú) y José Antonio Barrios (Venezuela). Además de las competición sobre el escenario el programa del FESTEA ofrece también actividades alternas como charlas, foros, lecturas dramatizadas, cuentacuentos y performances. Aunque la sentencia reza que nadie es profeta en su tierra, en esta primera semana de competencia el paisano Barrios es el que más ha aparecido en los programas de mano. “El Sitio”, texto vigente y necesario que enmarcado en el Absurdo relata la confrontación directa rojo-azul entre dos individuos que tratan de escapar de una guerra intolerante, fue escenificada por Silencio Teatro y Sobretablas. El Centro Escénico escogió “La novia viuda”, monólogo que desde el humor se pasea por las angustias y estrategias de una viuda negra. “La cotufa no baila más”, grotesca historia sobre la neurosis urbana vio vida en propuesta del Grupo Teatral Emergente; las agrupaciones Gothic Minerva con “La fascinación del árbol de las mentiras” y Teatro Humanitas de Valera, Edo.Trujillo con “Escritos sobre escritos” se decantaron por collages hechos con textos también de Barrios. Llegados desde la ciudad de Querétaro, México, los invitados Barón Rampante presentaron en tono de circo “Edy y Rudy” original del también “manito” Legom; una pieza cruda que muestra una visión sin ambages y, si se quiere, políticamente incorrecta del latinoamericano en piel de dos amigos que en búsqueda de la riqueza inmediata resaltan los arquetipos del vivo criollo y del tonto útil. El Grupo Acción llevó a escena “Carne quemada” texto del peruano Jaime Nieto, una especie de intriga policial, asesino en serie de por medio, que recuerda las historias del cine negro de los 40-50, pero que, en honor a la verdad, carece del ritmo y manejo de la tensión dramática tan necesarios en este tipo de historias. La segunda y ultima semana del festival arranca hoy con la muestra de “Marullando” basada en textos del argentino Gonzalo Marull llevados a escena por el grupo de la UNESR. La semana que viene sabremos quienes resultaron ganadores.

"Adiós a Otilio Galindez"

Justo cuando se estaban fraguando las letras de esta columna recibimos la triste noticia del fallecimiento del poeta, compositor y Maestro Otilio Galindez; una de las voces más sentidas de nuestra cultura popular. Vaya para él estas líneas como un breve y merecido homenaje. El Maestro Galindez nació un 13 de diciembre de 1935 en Yaritagua, estado Yaracuy; y desde pequeño sintió inclinaciones musicales nacidas y desarrolladas bajo el estímulo de sus padres, principalmente de su mamá Rosa Felicita, quién según contaba el Maestro se la pasaba todo el día cantando y enseñándole canciones del siglo XVIII y XIX. Aún niño se vino a la capital y trabajó como limpiabotas y vendedor de loterías. Con el tiempo entraría a trabajar en la Universidad Central de Venezuela, lo que le sirvió de puente para relacionarse con el Orfeón Universitario, etapa en la que haría sus primeras composiciones. Antonio Estéves, Modesta Bor, Inocente Carreño figuran entre los mentores de este maestro que cultivaría los géneros del vals, aguinaldos, parrandas, bambucos, pasajes, entre otros; como inspirado por una musa delicada que le llevó a crear desde el más puro espíritu. Un enjambre de voces repartieron como polen, y más allá de estas fronteras, las composiciones de Otilio: Lilia Vera, Cecilia Todd, María Teresa Chacín, Pablo Milanés, El Cuarteto, Soledad Bravo, Simón Díaz, Mercedes Sosa, Silvio Rodríguez, Ilan Chester; son sólo algunas de esas tantas abejas que hechizadas por las fragancia de una “Flor de Mayo” esparcieron las bondades poéticas del maestro, cuyas piezas resuenan en un universo que puede ir desde la sombra de una mata de mango en cualquier solar, hombre y cuatro en mano; hasta la majestuosidad de los grandes escenarios y las orquestas sinfónicas. Otilio le cantó al amor, a la navidad, a la naturaleza, a su suelo y a su cielo, le cantó también a la injusticia; su canto era un canto humano, sencillamente humano. Las notas de “Caramba”, “Pueblos tristes”, “Mi tripón”, “Candelaria”, “Son chispitas”, “Mariana”, “La Restinga”; se oirán ahora con la certeza de la inmortalidad, asegurada aún antes de su partida. Otilio se durmió en mitad de “la noche fresquita y muda”, en su humilde casa de El Limón, en Maracay, su resguardo desde hace varias décadas; dejando un sabor a vacío en el mundo de la música y el arte. Una profunda consternación pesa hoy sobre el cuatro que callado colgará sin que el Maestro le acaricie notas bienvenidas, pero al mismo tiempo, se abre la puerta de la eternidad a uno de los grandes poetas y compositores nacidos en esta tierra. Paz a su alma.

“Qué piensa la muchacha que pila y pila
qué piensa el hombre torvo junto a la vieja
qué dicen campanas de la capilla
en sus notas, qué tristes, parecen quejas.
Y esa luna que amanece
alumbrando pueblos tristes
qué de historias, qué de penas
qué de lágrimas me dice.
En el fondo hay un santo de a medio peso
una vela que muere en aceite sucio
más allá viene un perro que es puro hueso
con ladridos del hambre que Dios le puso.”

Otilio Galindez (1935-2009)