"El Jardín de los Cerezos"

Antón Chéjov nace en el seno de una familia sencilla en la Rusia de finales del siglo XIX. La quiebra del modesto negocio de su padre le lleva a escribir breves relatos humorísticos como medio de subsistencia. Logra graduarse de médico en la Universidad Estatal de Moscú, aunque su éxito como escritor y su debilitamiento debido a una tuberculosis contraída conspiraron para que dejara de ejercer la medicina. A la larga desarrollaría una obra y una técnica literaria que le ganarían el reconocimiento mundial como uno de los padres del naturalismo moderno. En 1886 se asocia a Konstantin Stanislavky, director y productor del Teatro de Arte de Moscú, y juntos llevaron a escenas títulos que se han convertido en clásicos del teatro universal. “El jardin de los cerezos”, última pieza escrita por Chéjov antes de sucumbir ante la enfermedad es uno de esos hitos.

La historia de una familia adinerada que pierde su fortuna al tiempo que sus siervos se vuelven prósperos es el marco inicial para una pieza que busca retratar los cambios sociales que se fermentaban en la Rusia de principios del siglo XX. Una inversión de roles antipática para una sociedad incapaz de asimilar los convulsionados cambios que se le imponen. Y una adaptación en la que sobresalen el erotismo, la lucha por el poder, la ambición por el dinero y la búsqueda del triunfo es la que la gente de Imaginarios de Venezuela, bajo la dirección general de Juan Souky, trae a la sala 1 del Celarg hasta el próximo 27 de septiembre; luego de su estreno en el teatro Classic Stage Company de Nueva York.

La vigencia del texto original permite su traslado a una actualidad que nos toca certeramente. Personajes cotidianos y fácilmente reconocibles dan fe, como consecuentemente ocurre en el universo de Chéjov, del fracaso de un entorno reaccionario que se resiste al cambio de papeles. Adolfo Cubas y Marialejandra Martin encabezan un elenco que cuenta además con las actuaciones de Virginia Lancaster, Gabriel Blanco, Adriana Romero, Nathalia Paolini, Giovanny García, Reinaldo Rivas y Víctor Romero. Las verjas para que visite este jardín, símbolo de lo irrecuperable, se abren los viernes a las 09:30 pm y domingos a las 08:00 pm.

"6to Aniversario Teatro de Cerca"

La agrupación Teatro de Cerca arriva a su sexto aniversario y lo celebra de la forma que más le hace feliz: haciendo teatro y haciéndolo de cerca. Es por ello que han diseñado una programación durante agosto y septiembre que incluye el remontaje de tres de sus piezas. “Arcalión”, original del dramaturgo merideño Stalin Gamarra Durán, y cuyo estreno mundial realizaran en el 2006; plantea una revisión a los prejuicios raciales desde la historia de una familia matriarcal cuya hija menor pierde la cabeza por Arcalión quién por su raza “tiene el color de las pesadillas”. Desde esta premisa se desata una historia de amor tumultuosa que bien recuerda a ese clásico de Rubén Blades que mientan “Ligia Elena”, solo que Arcalión no es trompetista si no poeta. La puesta en escena hace de este vendaval de intrigas y bajezas una tragedia bailable en la que a ritmo de danzón, cha cha chá, bolero y demás perlas de la música latinoamericana se revisan los eternos problemas de la vida en familia y los paradigmas sociales.

“Érase una vez un rey”, texto original del grupo chileno Aleph, cuenta las peripecias de tres recogelatas quienes un día deciden jugar a que uno de ellos será rey por una semana, divertimento que causará una ristra de graciosos enfrentamientos en la lucha por mantenerse en el poder. Esta pieza estrenada en el 2008, fue el primer montaje de TdC dirigido a un público infantil, aunque como ellos mismos expresan “es un montaje para toda la familia, en el que tanto los adultos como los niños se podrán identificar cada uno desde su propio universo”. Solidaridad, ecología y conservación, son los valores que se resaltan en esta puesta en escena cuyos elementos fueron construidos con material de reciclaje. Ambas piezas estarán en la Sala Rajatabla, del 8 al 16 de agosto, “Arcalión” los viernes y sábados a las 07:00 pm y domingos a las 06:00 pm; “Érase...” los sábados y domingos a las 03:00 pm.

Luego la fiesta se muda a la Sala Textoteatro del Teatro San Martín del 20 de agosto al 21 de septiembre con la temporada de “Hijo del rigor” (1984), del uruguayo Álvaro Aunchaín, cuyo título hace alusión a una expresión popular en el sur del continente con la que se designa a las personas que sólo hacen algo si se les castiga. Julio Filis es un joven con aspiraciones de boxeador que deberá esquivar los golpes que la vida le propina a su adultez como consecuencia de una infancia signada por el maltrato y la agresividad. El montaje busca impulsar la reflexión acerca de los paradigmas que rigen la formación impartida en nuestros hogares, entendiendo que los golpes no enseñan, si no que nublan la esperanza. La torta está puesta, sólo falta su compañía para apagar las seis velitas de TdC.

"Jardin de Pulpos"

“Estaba considerado altamente peligroso cuando no había hecho otra cosa que obras de teatro.” Así responde sobre las razones que lo llevaron a huir de la Argentina dictatorial de los años 70, el dramaturgo gaucho Arístides Vargas en una entrevista que le realizaran en el 2006. Y es que tanto su vida como su arte se vieron innegablemente signados por las cicatrices de la persecución en un régimen militar que dejó sembrados sangre y dolores; enrumbando la dramaturgia de Vargas a surcar en las tensas aguas de la memoria. Y es en esas aguas que trata de salir a flote José, protagonista de su “Jardin de Pulpos”, un hombre amnésico que llega a una playa de su pasado a reencontrarse con sus muertos con la esperanza de recuperar su memoria, cometido en el que le acompañará Antonia, la loca del pueblo.

Un espacio vacío con un piso cubierto de azules arenas, el juego entre lo onírico y lo real, títeres y cantos ancestrales, son los elementos de los que el director Costa Palamides echa mano para componer la puesta en escena de esta pieza que de la mano de la agrupación TEATRELA, rumbo a la celebración de sus 25 años, realizó una nueva temporada. La Sala Experimental del Celarg abrió sus puertas durante todo julio para dejar ver esta reflexión escénica que nos lleva a cuestionarnos el olvido y la pérdida de identidad, dejando siempre latente el peligro del desarraigo: “Esto ya no es una familia, sino un país donde los hermanos se dan puntapiés debajo de la mesa hasta sangrarse”, increpa el desmemoriado José. Y como bien le hace ver la loca Antonia, es imprescindible reconocer nuestro pasado para poder precisar nuestro presente (algo de eso ya insistía en decírnoslo nuestro José Ignacio Cabrujas).

Lamentablemente una falla técnica en plena función del pasado sábado dejó sin iluminación la Sala Experimental, pero la situación fue salvada con creces por la mística de un elenco conformado por Beto Benites, Eulalia Siso, Marisol Matheus, Nirma Prieto, Orlando Paredes y Oscar Salomón; quienes con la anuencia de los asistentes siguieron adelante dejando en claro que para que el teatro se dé hace falta sólo actores y espectadores. ¡Chapeau!

"La peor de todas"

Sor Juana Inés de La Cruz es una de las figuras más importantes de la literatura hispanoamericana. Y habiendo nacido mujer, sido monja y vivido a finales del siglo XVII haber alcanzado tal preeminencia no es poca cosa. Nació como Juana de Asbaje y Ramírez, y a los veinte años, teniéndola como única opción para que una mujer de su época pudiera dedicarse al estudio, se internó en el Convento de San Jerónimo recibiendo sus votos en 1699. Durante el claustro desarrolló la mayor parte de su obra y alcanzó una madurez literaria que le llevó a ser frecuentemente solicitada para escribir obras por encargo. Así vieron luz innumerables décimas, sonetos, obras de teatro, etc, que transitaban entre lo religioso y lo pagano. Su placer por el saber le llevó a reunir en su celda una colección de más de cuatro mil volúmenes, flanqueados por instrumentos musicales y científicos que evidenciaban sus conocimientos en matemáticas música, astronomía, artes plásticas, filosofía; por mencionar sólo algunas.

Pero en un siglo signado por el oscurantismo y el poder patriarcal de la Iglesia Católica, no les fueron perdonados su sed de conocimiento ni su defensa al derecho femenino a pensar y ser por sí misma. Una carta: “La respuesta a Sor Filoteas” (considerada por muchos un primigenio manifiesto feminista) en la que exponía su libertad de espíritu criticando un sermón dado por el Obispo de Puebla, fue el inicio de una coerción inquisitorial que la obligaría a abandonar la escritura y a deshacerse de sus libros e instrumentos. En su abjuración firmaría con sangre como “La peor de todas”.

Y tal es el título que la dramaturga venezolana Iraida Tapias da a su más reciente propuesta que desde el pasado 22 de julio se escenifica en las tablas del Teatro Trasnocho a cargo de Water People Theater Company, bajo la dirección general de Juan José Martín. La pieza busca plasmar la admiración y respeto que inspira esta mujer, una adelantada a su época, que tuvo que subyugarse al poder: “Reencontrarse con el coraje, talento, valentía de una mujer de finales del siglo XVII frente a los prejuicios machistas, de clase y origen, reafirman el compromiso de seguir haciendo un teatro que quiere conmover el alma y la razón del espectador” señala la autora. Giovanny Really, Andreína Blanco, Rebeca Alemán y Gerardo Soto son los intérpretes que enmarcados en el México antiguo extrapolan la vigencia, cuatro siglos después, de una discusión que enmarca la “ignorancia y el saber; la justicia y la injusticia, las limitaciones sociales, la desigualdad y el abuso de poder”. Las funciones de “La peor de todas” se extenderán hasta el próximo 22 de octubre sólo los miércoles y jueves a las 08:00 p.m.

"El pez que fuma"

Personajes esperpénticos, seres del bajo mundo, miseria, desamparo, el folcklore y lo mágico-religioso, la corrupción moral, social y política: he aquí parte del microuniverso que en la dramaturgia de Román Chalbaud busca su Bing Bang para explotarnos en el rostro una crítica que nos saque del letargo. Desde sus primeras entregas por allá por los años cincuenta Chalbaud mostró su preocupación por una palabra y una escena que reflejara la problemática venezolana, convirtiéndose, junto a José Ignacio Cabrujas e Isaac Chocrón, en eje fundamental de nuestro teatro contemporáneo.

“Sagrado y obsceno”, “Caín adolescente”, “Los Ángeles terribles”, “La quema de Judas”, entre otras, nos han ido dejando personajes transgresores que luchan por abrirse paso en una sociedad que los ha engendrado en desventaja. “El pez que fuma” estrenada en 1968 y llevada al cine en 1977 por el mismo autor, es uno de esos títulos insalvables dentro de nuestra dramaturgia; y cuarenta años después de su estreno vuelve a las tablas para ser el Montaje Profesional de los graduandos de la próxima promoción de la UNEARTES Teatro bajo la dirección general de Dairo Piñeres.

Un bien concebido espacio escenográfico bifrontal sirve para recrear el famoso burdel en el que prostitutas, chulos, lisiados, ex convictos y vendedores de poca monta hurgan una trama en la que se devela la lucha por el poder que pasa de mano en mano, sin mayores méritos. En su origen, no era difícil inferir este decaído prostíbulo como la metáfora de un país acostumbrado a que lo desangren, y cuarenta años después, la vigencia de la pieza es innegable. Dolorosamente innegable.

Una correcta puesta en escena, de oficio, con una sobria iluminación y matizada por los acordes de Héctor Lavoe abona el terreno para que los futuros Licenciados desarrollen las habilidades escénicas que han adquirido durante el periplo académico. En este apartado habría que fortalecer esfuerzos para alejar la interpretación actoral de la resolución externa e inmediata, volverla más orgánica, lo que contribuiría a limpiarla de la innecesaria presencia de clichés. Vale destacar el buen trabajo vocal del conjunto, aunque el personaje de La Argentina deberá ajustar la dicción y el acento, ¿viste?

José G. Algara, Luis A. Ramirez, Adriana Galíndez, Dayana Caro, Theylor Plaza, Lismar Ramirez y Sirgalyn Carrasquel, junto con un grupo de actores invitados, conforman el elenco del “El pez que fuma” cuya temporada se extenderá hasta el próximo 26 de julio en la Sala Rajatabla. La entrada es libre.

"La visita de los Generales"

"La vagancia me llevó a la escena”, dijo alguna vez refiriéndose a sus inicios uno de los nombres más importantes en el teatro venezolano contemporáneo: Gilberto Pinto (Premio Nacional de Teatro 1999). Y es que han pasado seis décadas desde aquella mañana en la que hojeando un ejemplar de El Nacional abandonado en una mesa de billar, descubrió unos cursos de capacitación teatral dictado nada menos que por el maestro mexicano Jesús Gómez Obregón. La curiosidad y lo desocupado le llevó a asomarse por aquellos lares, sin tener ningún interés real por el teatro, pero lo que vio le gustó, y el gustico le duró por el resto de su vida. Como docente, dramaturgo y director Pinto ha despuntado en nuestros escenarios con una temática siempre comprometida con lo social, con la crítica. No cree en el teatro de evasión. Su agrupación “Teatro del Duende” arranca en los años 50 con una firme posición contestataria y antidictatorial. Con esa visión de un teatro transformador, de un teatro para la toma de conciencia, ha escrito piezas fundamentales como “El hombre de la rata”, “La noche moribunda”, “El peligroso encanto de la ociosidad”, “La muchacha del blue-jeans”, “Los Fantasmas de Tulemón”, “La guerrita de Rosendo”, “La visita de los generales” entre tantas otras. Y es ésta última, “La visita de los generales” ganadora del IV Premio de la Feria del Libro, su más reciente puesta en escena. Después de leer la historia real de un físico estadounidense al que diagnostican un cáncer incurable y es obligado a pasar los últimos días que le quedan dictando sus descubrimientos, a Pinto le quedó sonando el tema durante años. De ahí surge la pieza como una “denuncia a la miserable persecución que sufren los sabios o científicos atómicos (...) considero que hoy los científicos que quieren dedicarse a la investigación están dominados o chantajeados por los gobiernos o por los perros de la guerra para que construyan armas, cada vez más sofisticadas. Esa es la idea principal de mi obra”. Y es que la proliferación de armas de destrucción masiva es una amenaza latente para la especie humana, basta revisar los titulares que dan cuenta del nerviosismo que despiertan los escarceos de Irán y Corea del Norte con sus juguetes atómicos. Sin contar los arsenales que a la calladita tienen las potencias occidentales, por si acaso a algún fundamentalista se le da por apretar el botón rojo. Es decir, ¡estamos rodeados!

Protagonizada por el primer actor Carlos Márquez acompañado por un elenco de lujo conformado por Francis Rueda, Germán Mendieta, Vito Lonardo, Alexis Farías y Daniel Jiménez; “La visita de los Generales” estará hasta el próximo 19 de julio en la Sala de Conciertos de la UNEARTES (antigua sede del Ateneo de Caracas) en funciones los jueves, viernes, sábados, a las 8:00 pm; y los domingos a las 6:00pm. La entrada es gratuita.

"Topografía de un desnudo"

Por allá por los años 60, mientras en el mundo se abrían puertas a movimientos progresistas, ocurrían marchas a favor de los derechos civiles, se alzaban protestas anti-bélicas, se adelantaban procesos a favor de minorías, se izaba el “paz y amor” como bandera; aquí mismo al lado, en Brasil, en Río de Janeiro se ponía en marcha la Operación Mata-mendigos, con la que se ordenaba el exterminio de indigentes a través de redadas policiales. Toda una oda a la tolerancia y al progreso ¿no? Ese suceso despertó, no solo el interés de la prensa de la época, sino la inspiración del dramaturgo Jorge Díaz, uno de los autores más premiados del teatro chileno, quién hurga hacia el fondo de lo sucedido con la pieza “Topografía de un desnudo” (1967); cuya temporada acaba de culminar en la Sala del Teatro San Martín a cargo de la agrupación “Escena de Caracas”.
Si bien el texto no es una recreación exacta de lo sucedido, sí busca a través de un testimonio libre hacer una representación universal de la injusticia, la represión y la violencia; que lo mismo ocurre en Brasil, como ocurre aquí, al lado, más allá, más arriba o más abajo en el continente. La aparición del cadáver de un indigente irá destapando una trama en la que se develan situaciones que tocan a estos personajes del inframundo, pero también a jueces, policías, fiscales. La puesta en escena, bajo la dirección general de Costa Palamides, apunta al cuestionamiento de los poderosos, de los funcionarios que, al igual que los reyes tolkianos “por sobre todas la cosas desean poder”, y harán lo necesario para mantener sus privilegios. Se evidencia en la búsqueda corporal de los actores una danza que indaga en el paralelismo entre lo humano y lo animal enmarcado en una estética que recuerda la jaula y el terror. Es pues una denuncia que con matices de humor e ironía satiriza nuestra identidad como sociedad latinoamericana.
Delbis Cardona, Nadeschda Makagonow, Arnaldo Mendoza, Betsabé Correa, Ignacio Marchena, Margarita Morales y Khalil Gómez conforman el elenco. El vestuario es de León Padilla, la iluminación de Gerónimo Reyes, la asistencia de dirección de Germán Manrique; y la producción general es de Coco Seijas y Delbis Cardona.