"Venezuela gûele a oro"

Y bien, una nueva promoción de Licenciados en Teatro del programa PROFESER de la Universidad Nacional Experimental de las Artes, llegó a su punto de cuaje con la puesta en escena de su Montaje Profesional en la Sala Anna Julia Rojas. Cuatro funciones, del 18 al 21 de marzo, que sirvieron para confrontar con el público la conjugación de esfuerzos que los graduandos de las menciones de Actuación, y Gerencia y Producción Teatral, realizaron en pro de un producto final que logró hacer reír y reflexionar. “Venezuela güele a oro” (sí, con “g”), sainete escrito a cuatro manos por Andrés Eloy Blanco y Miguel Otero Silva, fue la pieza escogida para la culminación de este recorrido académico; y Juan José Martín el director encargado de darle forma y vida. La obra, estrenada originalmente en 1942 en la arena del Nuevo Circo, recrea la historia de un trío de norteamericanos que llegan a estas tierras con la intención de comprobar los rumores mundiales que dicen que el olor a oro es constante por estas calles. Como guías turísticos un grupo de personajes pintorescos, estereotipos del gentilicio, les llevarán a conocer de primera mano nuestros “miriñaques, nuestros avances fulminantes y nuestras retiradas estratégicas”.

En tono de farsa surrealista, a lo largo de diez escenas, la obra refleja la esencia de nuestra idiosincrasia, que frente a los ojos de los ilustres visitantes puede resultar a veces inenarrable. La Venezuela de los años 40, pujante por el avance ya desbordado de la industria petrolera, aparece expresada en las líneas de un texto que el director buscó contextualizar a la época actual, manteniendo sin embargo, los modismos y referentes históricos originales que sirvieron a los autores para realizar una sátira de su tiempo. No le costó mucho trabajo a los espectadores darse cuenta que la vigencia de la obra está presente todavía hoy, casi setenta años después de su aparición. Las triquiñuelas de un país embobado por la riqueza petrolera, sus vicios, su política (y políticos), su desigualdad, pero también su humor con sabor a vulgo topocho, han cambiado de ropa y peinados, pero no de angustias. En esencia seguimos siendo los mismos, seguimos sufriendo los mismos vicios, vicios que el teatro estará siempre dispuesto a reflejar para ver si alguna vez nos deslastramos de la modorra y avanzamos.

Como nota nostálgica, ésta es la última promoción de Licenciados del PROFESER, programa creado en el extinto Instituto Universitario de Teatro para darle título a aquellos profesionales con más de cinco años de experiencia. Ahora con UNEARTE nuevos rumbos se esperan en la formación del profesional de las artes. escénicas y musicales ¡Felicidades Licenciados!

Columna publicada el 23/03/2010 en el diario "El Nuevo País"

"La Noche de las Tríbadas"

August Strindberg (1849-1912), el escritor, es conocido como uno de los autores fundamentales del teatro universal. August Strindberg, el hombre, fue conocido por su tendencia esquizofrénica, sus polémicas públicas y su marcada misoginia. Tres rotundos fracasos matrimoniales y el carácter abiertamente antifeminista que se puede advertir con facilidad en su trabajo literario atestigüan la particular visión que el dramaturgo sueco tenía de lo femenino.

Hoy, ya enzalzado como un indiscutible ícono cultural, el genio de Strindberg es abordado por su paisano Per Olov Enquist en “La noche de las tríbadas” pieza publicada en 1975 y que se ha convertido en la obra en lengua sueca más representada y traducida en el mundo.En ella Enquist aborda la figura del padre del teatro sueco para diseccionarla entre sus complejos y virtudes mediante una historia que reúne en el ensayo de una de sus obras al personaje de Strinberg, a su segunda esposa Siri Von Essen, al actor Vigo Schiwe y a Marie David expresa defensora de la libertad femenina y a quién Strindberg acusa de ser la amante de su mujer.

El constante conflicto que resulta del choque entre la fuerza liberadora de la mujer y el torcido sexismo del escritor, es llevado a escena por primera vez en nuestro país por la gente de Hebu Teatro, bajo la dirección de Costa Palamides. La propuesta escénica se une al texto en la desmitificación de Strindberg y sin intenciones moralistas desnuda a un personaje profundamente humano asediado por sus demonios interiores. En contraparte, la figura femenina emerge enérgica en sus aspiraciones pero sin que estemos hablando acá de manifiesto feminista alguno.No hay panfleto, hay verdad. La puesta en escena, que en principio rescata el necesario teatro de texto; es cuidadosa en los detalles, dosifica el drama y el humor, y juega con la contención de las emociones. El quirúrgico trabajo actoral de Ludwig Pineda (Strindberg), Diana Volpe (Siri Von Essen), Diana Peñalver (Marie David) y Elvis Chaveinte (Viggo Schiwe) no permite la indiferencia y sostiene una acertada dinámica de tensión -distensión que permite al espectador asimilar un texto de marcado carácter psicológico.

La temporada fue estrenada en el Espacio Plural del Teatro Trasnocho el pasado 22 de enero (que coincidencialmente es la fecha aniversario del nacimiento de Strindberg) y se extenderá hasta los primeros días de abril los viernes y sábados a las 09:00 pm y domingos a las 07:00 pm. Y si todavía se está preguntando qué quiere decir “tríbadas”, pues es una palabra de origen griego – ¿cuando no?- que significa “lesbianas”.

Columna publicada en el diario "El Nuevo País" el 16/03/2010

"La Calle del Infierno"

"La Calle del Infierno” es un nombre que a la primera sugiere cualquier cosa menos diversión, sin embargo, sabed -¡oh! despabilado lector- que por ese mote tan singular es conocido un parque de atracciones temporal que se instala en cada edición de la célebre Feria de Abril, en la ciudad de Sevilla, España, ¡anda! En este escenario rodeado de “montañas rusas”, “carritos chocones”, “tómbolas” y demás divertimentos ocurre que un día Juani, ebria como un cosaco, siembra el terror al lanzarse desde la “rueda de la fortuna”. Abajo sus amigas Toñi y Paqui, también borrachas de atar, atestigûan el espachurramiento.

Aunque el parque es real, la historia de esta suicida y sus compañeras pertenece a la ficción de la pieza homónima original del dramaturgo español Antonio Onetti, que bajo la dirección general de Verónica Arellano (quién debuta en este rol respaldada por una amplia trayectoria como actriz de cine, teatro y televisión); acaba de finalizar temporada en la sala del Teatro San Martín.

A “La Calle del Infierno” se trasladan las angustias de estas tres amigas, cajeras de supermercado quienes se aferran a la esperanza de ganar un concurso de sevillanas cuyo premio en metálico representa la concreción de sus sueños particulares. Pero también es el detonante de sus infiernos interiores: la soledad post divorcio, la obsesión por el físico, la angustia de una hipóteca. Tres mujeres en la lucha por su propia supervivencia, aunque ello implique “dos traiciones por el precio de una”.

La puesta en escena juega ampliamente con el humor adaptando el libreto original a nuestro contexto y modismos. Para quienes estén familiarizados con el trabajo actoral de Arellano les será facilmente reconocible en la escena ciertos gags que, aunque esté ella ahora sentada en el puesto de directora, evidencian su presencia en la escena, que actoralmente se sustenta en el correcto trabajo de Irabé Seguías, Claudia Nieto y Carolina Torres.

Como valor agregado el dramaturgo, galardonado además como guionista de cine y tv, viajó desde la Madre Patria a presenciar esta propuesta del grupo Afrodiartes, estancia durante la cual también realizó algunos conversatorios para intercambiar cavilaciones teatrales. ¡Enhorabuena!

Columna publicada el 09/03/2010 en el diario "El Nuevo País"

"Jesucristo Superestrella"

Nació como un albúm de música conceptual. Devino en un musical de Broadway. Como era de esperarse, pasó luego a la gran pantalla convirtiéndose en la película más taquillera de 1973. En definitiva, creció hasta convertirse en uno de los principales fenómenos culturales del siglo XX: “Jesucristo Superestrella”.

Esta ópera rock escrita por Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, vio la luz a principio de los 70, en plena efervescencia del fenómeno hippie y el amor libre. De ícono religioso, el hijo de Dios pasó a ícono pop, interpretado en su versión original por -figúrense ustedes- Ian Gillan vocalista de la banda Deep Purple (que como buen rockero ya tenía la melena perfecta para el papel). De Broadway pasó al Teatro West End de Londres, en el que permaneció en cartelera durante la nada despreciable cantidad de ocho años. Su versión original en español puso en la voz de Camilo Sesto los falsetes del Nazareno por allá en 1975, bajo la dirección general de Jaime Azpilicueta. Por estos lados, en 1984 una puesta en escena dirigida por Emisio de Soto llenó durante más de un mes las localidades del extinto Teatro Las Palmas (que hoy día funge como iglesia evangélica, así que Cristo de un modo u otro sigue rondando por ahí).

En el 2007 la gente de Palo de Agua estrena con éxito una propuesta de este clásico logrando en su primera temporada una asistencia que rebasó los 28.000 espectadores, bendición que buscan reeditar durante los sábados y domingos de febrero y marzo en el Aula Magna de la UCV, bajo la dirección, una vez más, de Michel Haussman y la producción general de Yair Rosemberg.

La historia de los últimos días de El Redentor, en los que además de los profetizados tormentos, habría de enfrentar las posiciones políticas hambrientas de revolución encarnadas por Judas, llegan de nuevo a escena repitiendo en los roles principales Jhonny Sigal como Jesús, Karina como María Magdalena y Luke Grande como Judas; acompañandos por Cayito Aponte como Caifás, Armando Cabrera como Herodes, Rolando Padilla como Poncio Pilatos, Gerardo Soto como Pedro y José Pablo Álvarez como Simón Zelotes.

La novedad para esta temporada es la presentación de la Orquesta Palo de Agua, especialmente creada para el espectáculo, quienes acompañados por la banda de rock Superestrella pondrán los acordes clásicos y eléctricos característicos de este musical que subirá a escena más de cuarenta artistas entre bailarines y cantantes. Los graffitis tienen razón ¡Cristo vuelve! y vuelve rockanroleando...

Columna publicada en el diario "El Nuevo país" el 02/03/2010

"Fango Negro"

Hace veinte años el Centro de Directores para el Nuevo Teatro estrenaba una novedosa propuesta teatral enmarcada dentro de la corriente hiperrealista. “Fango Negro”, original de nuestro dramaturgo José Gabriel Nuñez, (Premio Nacional de Teatro, 2004), tenía la particularidad de cambiar las butacas de una sala por los destartalados asientos de un autobús. Era el año 1990 y corría la octava edición del Festival Internacional de Teatro de Caracas (sí, ese nuestro icónico Festival, ahora tan desaparecido como ansiado), los espectadores, como simples pasajeros hacían su cola en una parada preestablecida para abordar el colectivo que los llevaría a recorrer un viaje junto a personajes típicos de nuestras calles: el borracho, la sifrina, la viejita, el buhonero.

Hoy, en celebración a sus dos décadas, esta experiencia de “teatro sobre ruedas” vuelve a las calles caraqueñas de la mano, una vez más, del director Daniel Uribe. Por la Plaza Alfredo Sadel de Las Mercedes pasará el autobús recogiendo a los pasajeros que presenciarán la historia de un soldado (Manuel) que parte en búsqueda de su mujer para encontrarse con que ahora ella es una fichera. En este recorrido de ida y vuelta, con una parada en el bar en que trabaja la deshonrosa María, personajes y espectadores (que a fin de cuentas somos simples personajes también) nos vemos envueltos en una historia urbana reflejo de una realidad latinoamericana, que más allá de nuestros propios deseos, es las más de las veces, dramática. Desde su estreno, la pieza ha sido montada alrededor del mundo con sonado éxito. Destaca, por ejemplo, Montevideo, donde se ha venido representando ininterrumpidamente y fue declarada parte del patrimonio turístico y cultural de la capital uruguaya.

Germán Anzola, Paula Trejo, Nataly Delgado, Irving Gutiérrez, Maria Gabriela Díaz , Sally de Rogatis, Carlos Rebolledo, Pedro Rodríguez, Bernardo Romero, Oswaldo Estrada, Landry López, José Poleo, José Freitas, Rafael Barozzi, Jhonnatan González, Laura Rosales, Sonjack Bischoff, Rosymer Rodríguez, Freila Ramos, Greymar Hernández, Marina Bravo, Maria Victoria Carrera y Daniela Picado conforman el elenco de este reestreno cuyas entradas pueden adquirirse en las taquillas del Teatro Escena 8. Los horarios de salida del bús son los viernes y sábados a las 08:00 y domingos a las 06:00 p.m. hasta el 28 de febrero ¡Saliendo puntual!

Columna publicada el 16/02/2010 en el diario "El Nuevo País"

"Pensamiento único"

"Creo que en todo el gran teatro, el que ha llegado hasta nosotros, ha habido siempre un discurso político y social, tendiente a estimular el interés, la participación, la solidaridad... o la indignación. En resumen, tomaba postura, colocándose a menudo como acusación contra ciertos modelos o actitudes de la sociedad, desde el teatro griego hasta el teatro más cercano a nosotros, incluyendo a Shakespeare y a Molière". Esta larga cita sobre el caracter contestatario del teatro pertenece a uno de los nombres más importantes del arte escénico contemporáneo: el italiano Darío Fo. E iniciar con estas palabras obedece a dos razones, la primera es que comulgo con ese parecer y se me hace necesario mantenerlo vigente; segundo, la presentación que el pasado 04 de febrero hiciera el actor Gustavo Rodríguez en la Plaza Brión de la pieza “Pensamiento único” a través de la Fundación José Ignacio Cabrujas y la Alianza para la Libertad de Expresión.

Sin cortapisas, sin metáforas, sin insinuaciones, sino de frente y con marcada intencionalidad la propuesta buscaba poner de manifiesto la inconformidad con el sistema de gobierno actual, que a parecer del actor, representa una amenaza a la libertad de pensamiento. Ataviados con franelas rojas y máscaras, algunas decenas de personas que formaban parte del montaje (a los que se les sumaron los espontáneos que nunca faltan) seguían al unísono las directrices que en tono militar emanaban del humorista Rolando Salazar, también partícipe de esta pieza ligera de teatro de calle que hizo del boulevard de Chacaíto un gran escenario al aire libre y abierto a todo el que quisiera presenciar y participar.

A decir de Rodríguez, esta pieza, con manifiesta influencia de “El Gran Dictador”- una de las películas más importantes de Charles Chaplin- guarda en su intención mostrar de manera satírica la acentuada militarización de nuestra sociedad, y denunciar el peligro que supone la construcción por parte del gobierno de lo que el otrora ministro de comunicaciones Andrés Izarra definiera como “hegemonía comunicacional”. La utilización del teatro como herramienta de reflexión es una decisión natural para quién como Gustavo Rodríguez ha desarrollado una respetable y larga carrera sobre las tablas y detrás de las cámaras de televisión y cine; y más allá del hecho artístico, el actor quiere expresar aquí su propio compromiso ciudadano, su posición personal, sin encubrir con ello ninguna actividad “subversiva o desestabilizadora” como él mismo aclara.09/02/2010

Teatro en su natural estado contestatario, ¡más nada!

Columna publicada el 09/02/2010 en el diario "El Nuevo País"

"Aquiles en el jardín de los retazos"

Si de algo nos podemos sentir orgullosos los venezolanos es de contar con un paisano de nombre Aquiles Nazoa. Las palabras, escritas o dichas, de este poeta, periodista, escritor y humorista representan un patrimonio inmedible en su importancia y contundencia. Nació en el caraqueñísimo barrio de El Güarataro, en la parroquia San Juan, un 17 de mayo de 1920 y en esa parroquia vivió (salvando sus períodos de exilio político) hasta su trágica muerte en un accidente de tránsito en el 76. Mi papá (como todo buen portugués que se precie) tenía para la época su respectivo abasto , a media cuadra de la avenida San Martín, y me contaba de niño que allá llegaba aquél poeta de delgada figura a comprarse su Pepsi o a esconderse de los esbirros del gobierno que lo perseguían por comunista y agitador. Fue con esos cuentos paternos que me enteré que existía un señor llamado Nazoa, que era famoso y compraba en el abasto de mi papá. Más tarde, cuando conocí su obra, el encantamiento fue irremediable.

Con “Aquiles en el jardín de los retazos”, la Compañía Nacional de Circo hace gala de ese encantamiento y entre acrobacias lleva a la carpa ubicada en el Nuevo Circo un espectáculo inspirado en la obra de este autor, que vuelca en cada una de sus sílabas la esencia de la cultura popular venezolana. Dirigido por Marisol Martínez y Arnoldo Maal, esta pieza, que va a su segunda temporada, nos traslada a la Caracas de Nazoa y desde una estructura dividida en once escenas, nos hace partícipes de la fina lírica del poeta, así como de las costumbres de la Caracas de mediados del siglo XX. Trapecistas, acróbatas, malabaristas y payasos, especímenes todos de esa jungla mágica que es el circo, muestran sus habilidades a lo largo, ancho y alto de la carpa, invitando a la presencia constante de la imaginación.

Esta segunda temporada llega hasta el 14 de febrero, en funciones los días jueves, viernes y sábados a las 5:00pm y domingos a las 11:00am y 5:00pm. La entada es libre, aunque se deben retirar los boletos en la taquilla del Nuevo Circo con dos horas de anticipación.

Katay Santos, Luis Morales, Gonzalo Velázquez, Alina Rodríguez, Roberto Arego, Gaspar Trejo, Antonio Benítez, Oswaldo Barreto, Gloria Núñez , Alejandro Mariscotti , Roberto Suárez , Milagros Alonso y Alejandro Sánchez forman parte del elenco de esta primera producción de la Compañía Nacional de Circo, que aspira girar este espectáculo por cada rincón de nuestra geografía.

Columna publicada el 02/02/2010 en el diario "El Nuevo País"